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Conmemoran 10 años de la muerte del compaositor Karlheinz Stockhausen

Karlheinz Stockhausen nació en Mödrath, cerca de Colonia (Alemania), el 22 de agosto de 1928. Durante su infancia padeció las penurias de la época prebélica y bélica.

Por Redacción, 2017-12-04 14:47

México, Notimex.- Pionero en el campo de la improvisación electrónica, en las performances electrónicas en directo y también en el ámbito de la música intuitiva, el compositor alemán Karlheinz Stockhausen es recordado a 10 años de su muerte, ocurrida el 5 de diciembre de 2007 en Kettenberg, Alemania.

Karlheinz Stockhausen nació en Mödrath, cerca de Colonia (Alemania), el 22 de agosto de 1928. Durante su infancia padeció las penurias de la época prebélica y bélica.

Su padre, profesor de escuela, se alistó voluntariamente en el ejército y falleció en el campo de batalla. Su madre fue internada en un hospital psiquiátrico y ejecutada en 1941 por orden del gobierno nacionalsocialista.

La hiperactividad de Stockhausen se reveló desde su primera juventud. Con sólo dieciséis años colaboraba en un hospital en el traslado de heridos graves, mientras que los rigores de la posguerra le obligaron a trabajar como granjero al tiempo que estudiaba violín, piano, oboe y latín.

De esas fechas data su gusto por el jazz, música que interpretaba para, según sus propias palabras, superar psíquica, mental y espiritualmente los horrores de la Segunda Guerra Mundial.

En 1947, el voluntarioso joven logró una plaza para estudiar en el Conservatorio de Colonia, donde, además de ampliar su dominio del piano, se especializó en musicología, filología y filosofía.

Estudió composición con el compositor suizo Frank Martin, quien no podía imaginar que aquel joven de impresionante actividad, que simultaneaba sus estudios trabajando de obrero en una fábrica y vigilando las viviendas de las tropas de ocupación, se convertiría con los años en uno de los renovadores de la escuela weberiana.

Poco después Stockhausen se matriculó en los cursos de verano de Darmstadt, bastión oficioso del serialismo y de corrientes vanguardistas afines, donde tomó contacto con la música de Anton Webern y con la nueva generación de compositores serialistas; Darmstadt abrió los ojos de Stockhausen.

Allí pudo conocer de primera mano a los compositores que habían representado el espíritu de la vanguardia musical alemana fuera del dodecafonismo (Paul Hindemith, Edgar Varèse, Olivier Messiaen…) y dentro de él (Arnold Schönberg, Ernst Krenek…) y también la estética marxista de la mano de Theodor W. Adorno y René Leibowitz.

Junto con Bruno Maderna, Gyorgy Ligeti y Luigi Nono, Stockhausen asistió en Darmstadt a ciclos de conciertos que cambiarían para siempre su concepción de la música. Tanto es así que el famoso estudio de piano “Modo de valores e intensidades”, de Messiaen le movió, en enero de 1952, a trasladarse a París, para matricularse en el Conservatorio en la clase de análisis y estética del propio compositor.

En el año que pasó en la capital francesa coincidió con Pierre Boulez en el momento en que éste trabajaba en las Structures I para dos pianos. A partir de este momento se inició una correspondencia entre los dos compositores.

En esa época, Stockhausen se casó con una compañera de estudios, Doris Andreä, con la que tuvo cuatro hijos, Suja (1953), Christel (1956), Markus (1957) y Majella (1961).

A la vuelta de su periplo francés inició su fructífera colaboración con el Estudio de Investigaciones Musicales de la Radio Oeste de Colonia. Asimismo, comenzó a divulgar sus teorías en los cursos de Darmstadt, una actividad que no cesó hasta mediados de los años setenta.

En 1954 presentó “Study I” y “Study II”, los primeros ejemplos de música electrónica pura construidos a partir de una síntesis aditiva consistente en crear sonidos combinando distintas ondas de forma indefinida, sonidos puros, sin armónicos.

La crítica especializada comenzó a fraguar la imagen de Stockhausen como el nuevo adalid de un estilo mixto, que desplazaría las figuras de Kurt Schwitters, Pierre Henry y otros grandes de la música concreta.

La transformación que había experimentado el estilo de Stockhausen pareció afectar también a su propia figura profesional, y desde los Cursos de Nueva Música, que impartió en Colonia a partir de mediados de 1960, reivindicaba un nuevo espacio para el compositor.

La imagen de “genio loco” que fue ganándose con el tiempo coincidió con un creciente número de encargos, estrenos, subvenciones, festivales y presentaciones.

Le llovieron las ofertas para ejercer de profesor de composición invitado, de las cuales aceptó, entre otras, las de Pensilvania (1965) y California (1966). Fue también notorio en esa época el estreno, en Tokio, de dos encargos realizados por la Radio Nacional de Japón (NHK): Telemusik y Solo.

En 1967 se casó con la pintora Mary Bauermeister, con la que tuvo otros dos hijos, Julika (1966) y Simon (1967). Ese mismo año comenzó su serie de estrenos de obras basadas en voz humana tratada electrónicamente y sobresaturada, como Stimmung.

En la década de 1970 Stockhausen desarrolló la llamada “técnica de la fórmula”, que reflejaba la idea de “galaxia” de la que el compositor tanto había hablado en sus divulgados textos: la organización interna de la fórmula se basa en la distinción entre núcleo y accesorios (las estrellas y los planetas alrededor).

Una década después Stockhausen estrenó “Donnerstag” (Licht) en la Scala de Milán (1981, cuatro horas de concierto), “El sueño de Lucifer” (Metz, 1981), “El canto de Katinka” (Donau, 1983), “La danza de Lucifer” (Ann Arbor, 1984), “Michael’s Journey” (Bremen, 1986)  y “Xi” (Siena, 1987), así como la notable “Licht” (Die sieben Tage der Woche).

Como lo informaron en su momento fuentes locales, Karlheinz Stockhausen falleció el 5 de diciembre de 2007 a los 79 años de edad en la localidad de Kürten-Kettenberg, cerca de Colonia (oeste de Alemania).

En su momento la Fundación Stockhausen destacó que el artista cultivó ante todo la música de vanguardia y es considerado como uno de los compositores más importantes de la segunda mitad del siglo XX.

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Lele Pons y Juanpa Zurita protagonizarán miniserie de Black Mirror

Little Black Mirror contará con tres mini episodios conectados con el universo Black Mirror y estará protagonizada por Juanpa Zurita y Lele Pons

Por Redacción, 2019-05-25 11:56

México.- Netflix lanzará el próximo 5 de junio la quinta temporada de la serie Black Mirror, sin embargo, la plataforma de streaming también anunció la creación del proyecto titulado Little Black Mirror.

Little Black Mirror contará con tres mini episodios conectados con el universo Black Mirror y estará protagonizada por Juanpa Zurita y Lele Pons.

El primer capitulo de la serie se estrenará el domingo 26 de mayo en el canal de YouTube de Netflix. Los otros dos saldrán el 2 y el 9 de junio, respectivamente.

Estas son algunas reacciones ante el anuncio: 

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Ópera de viena celebra 150 años con «La mujer sin sombra»

«Es un gran acontecimiento. A todos los amantes de la ópera les va a encantar esta producción» declaró recientementeel director de esta ópera estatal, Dominique Meyer.

Por Redacción, 2019-05-25 10:50

EFE.- La Ópera de Viena celebra hoy su 150 aniversario levantando el telón de un nuevo montaje de «La mujer sin sombra», una de las pocas óperas de relevancia internacional que tuvo su estreno absoluto en Viena y la única de Richard Strauss que vio la luz en este escenario.

«Es un gran acontecimiento. A todos los amantes de la ópera les va a encantar esta producción» declaró recientementeel director de esta ópera estatal, Dominique Meyer.

El alemán Christian Thielemann dirigirá a los filarmónicos vieneses en un montaje que tiene al tenor estadounidense Stephen Gould, a la soprano sueca Nina Stemme y a la finlandesa Camilla Nylund ocupando los papeles protagonistas.

Esta obra, que el propio Strauss calificó de «la última ópera romántica» mezcla el mundo real y el de los sueños y tiene una profundidad y una gama tan amplia de interpretaciones que el propio Thielmann considera que «no se entiende completamente».

«Es un cuento de hadas que cada uno puede interpretar», opina.

Thielemann recuerda que la obra se compuso en 1919, un momento de profundos cambios tras la I Guerra Mundial.

Al respecto, el director destacó que la ruptura que se refleja en la obra puede tener paralelismos con el convulso tiempo actual en que el que, como entonces, cabe preguntarse: «¿Qué va a pasar?».

Esta nueva «La mujer sin sombra» es la novena producción de esta obra que programa la Ópera de Viena desde su estreno en 1919.

Este estreno es el momento álgido de las celebraciones por el 150 aniversario, pero no el único ni el último.

Desde hace meses se han celebrado conferencias y exposiciones, editado libros e incluso estrenado películas sobre la Ópera.

Este sábado por la mañana se ha celebrado un concierto en el que cantantes de la compañía de la Ópera, los niños del coro, miembros de las distintas orquestas han interpretado piezas de compositores como Verdi, Wagner o Mozart, en un homenaje a la institución y a los trabajadores y artistas que la hacen posible.

Mañana domingo la Ópera de Viena saldrá literalmente a la calle con un espectáculo que transformará la avenida del Ring y la plaza frente al teatro es un escenario al aire libre.

Cantantes de primer nivel como Tomasz Konieczny, Erwin Schrott o, Roberto Alagna, entre otros, cantarán en un concierto gratuito que será retransmitido en directo por la televisión pública austríaca, la ORF, y por el canal ARTE.

La Ópera de Viena fue inaugurada el 25 de mayo de 1869 como Teatro de la Ópera de la Corte Real e Imperial con una función del Don Giovanni de Mozart a la que acudieron el emperador Francisco José y la emperatriz Sisi.

Este escenario ha sido desde entonces uno de los principales faros culturales de Austria y de Europa, también con épocas muy oscuras, como cuando durante el nazismo la institución expulsó a 105 trabajadores por ser judíos, de los que once fueron asesinados.

Hoy día, más allá de su peso cultural, la Ópera de Viena es también un motor económico y turístico.

La pasada temporada recibió más de 600.000 visitantes, con una ocupación media diaria del 98,03 %.

El propio Meyer estima que los turistas, que suponen un tercio del público, llenan cada día hasta siete hoteles en la ciudad.

Los ingresos de taquilla, de más de 35 millones de euros la pasada temporada, cubren el 44 % de su presupuesto.

El sistema de repertorio permite a este teatro ofrecer cada temporada unas 350 funciones, entre óperas, ballets, conciertos y representaciones para niños.

En los últimos años, este teatro, cuyo edificio fue destruido en un bombardeo aliado durante la II Guerra Mundial y reconstruido según el original en 1955, ha emprendido un ambicioso proyecto de renovación tecnológica.

Aparte de instalar tabletas en cada asiento, con las que se pueden seguir las óperas con subtítulos en seis idiomas, Meyer ha impulsado un sistema de pago por visión en alta calidad, que emite 45 óperas en directo cada temporada, con retransmisiones adaptadas a distintas zonas horarias, y la posibilidad de acceso a una videoteca.

«Mi objetivo ha sido llevar la Ópera de Viena a la época moderna y mantener el amor que encuentras aquí por la ópera y por la música, igual que cuando llegué», resume Meyer su época al frente de la Ópera, que terminará en junio de 2020.

Respecto al futuro, el teatro tiene también muchos programas destinados a la infancia, no sólo cumpliendo su función de servicio público, sino también, como Meyer destaca, para trasmitir el amor por la ópera a una nueva generación de público.

Señalada por algunos expertos como culpable de tener un programa poco arriesgado y centrado demasiado en los grandes clásicos, Meyer se defiende asegurando que desde que él asumió la dirección en 2010, ha trabajado para renovar el repertorio.

Así, afirma que este aniversario es una buena ocasión tanto para celebrar el pasado como para «abrir las ventanas y la puerta a la música contemporánea, y al futuro musical».

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David Aguilar, un poeta disfrazado de músico

El cantautor mexicano señala que el amor por la música es lo que han hecho posible que su arte siga conquistando el oído del público nacional e internacional.

Por Redacción, 2019-05-25 10:24

México.- Para el cantautor mexicano El David Aguilar, el trabajo duro, la constancia y el amor por la música es lo que han hecho posible que su arte siga conquistando el oído del público nacional e internacional.

Ahora busca seducir a sus fans y a nuevos adeptos con En el café, tema que escribió hace 10 años mientras vivía en su natal Culiacán. “Es una canción que trata de un tema muy cotidiano; es una apología del oficio del mesero o la mesera”, dijo el cantante, quien ha sido nominado cinco veces a los Grammy Latino.

En entrevista , El David Aguilar indicó que le gusta “resumir la canción diciendo que se trata de una construcción musical de ‘Mary Poppins’, pues habla de cómo una mujer (su amiga) tenía la destreza para cargar charolas llenas de platos, abriendo la puerta con la rodilla, etcétera”.

La historia del tema surgió cuando Rodolfo David Aguilar Dorantes, nombre de pila del músico, visitaba la cafetería donde trabajaba una de sus amigas y al ver cómo mecereaba, decidió escribir una canción. “La pulí y luego la canté en vivo para calar cómo reaccionaba la gente y aquí está el resultado”, apuntó con emoción.

El intérprete aseguró que lanzar este tema nueve años después no significa que exista alguna añoranza hacia su pasado, pues él no graba ni publica en un sentido cronológico. “A mí me gusta vivir mi presente y mirar hacia el futuro”, apuntó.

De acuerdo con el músico que en 2018 estuvo nominado al Grammy en las categorías de Canción del Año, por Embrujo y La danza de las gardenias; Álbum del Año, por Siguiente; Mejor Artista Nuevo y Mejor Álbum, esto lo ha acercado a los reflectores, “pero en lo artístico nada ha cambiado”.

No obstante, reconoció que en la actualidad sus días pasan más rápido por los proyectos en los que ha tenido la fortuna de involucrarse, como el que está por lanzar al lado de su colega Caloncho.

“Las nominaciones han levantado polvo para que todo pase más rápido, me han abierto las puertas con los medios, pero a nivel artístico no aportan más allá de lo aprendido en las ceremonias de premiación y en tener la oportunidad de acceder más a la industria”, expuso el cantautor, quien se presentará el 8 de junio próximo en un reconocido recinto de la Ciudad de México.

El cantautor consideró que su carrera artística también puede llegar a ser una herramienta para hacer que se reflexione en torno a los temas que aquejan al país, entre ellos la violencia, la desigualdad económica y la pobreza.

Al preguntarle si pensaría escribir alguna canción en torno a estos hechos, el músico dijo que lo haría sin ningún reparo, porque él siempre ha estado en contra del poder.

Compartió que le llama mucho la atención que “actualmente en la Ciudad de México haya mucha violencia, mucho robo, y lo sé porque personas cercanas a mí lo han vivido, son como un hecho cotidiano los asaltos en el transporte público, en los restaurantes, la violencia se incrementó“, mencionó.

El David Aguilar dijo no saber qué es lo que esté pasando a fondo como para que la violencia se haya incrementado, pero sostuvo que tiene fe de ver una voluntad mucho más clara de las autoridades.

“Hay una parte mía esperanzadora para que los proyectos tomen su cauce, como el Tren Maya y las refinerías, y espero que los beneficios tengan como destino causas sociales, porque pienso que la desigualdad, la violencia y la pobreza son los principales problemas de México”, señaló.

En cuanto al plan de austeridad de la actual administración federal, opinó que no debe mermar la cultura en lo general, y que más allá de reproches por estar acostumbrados a ciertos apoyos, las industrias deben estar conscientes de que los artistas siempre han sido apoyados, a diferencia de otros países donde no existen estímulos ni becas oficiales.